|
|
Пикассо Пабло
Пикассо Пабло (1881-1973) - испанско-французский художник. Почти всю свою жизнь прожив во Франции, Пабло Пикассо всегда оставался испанцем. Именно кровная связь со своей родиной - Испанией - дала ему возможность так остро почувствовать и так убедительно, яростно передать на полотне весь ужас трагедии 26 апреля 1937 года, когда в одну ночь фашисты уничтожили город Гернику в Стране Басков. В 1936 году Народный фронт дал Стране Басков автономию. Пришедший к власти Франко отменил ее. Город, в котором сохранились уникальные памятники старины, истории, город с двумя тысячами жителей в одну ночь был превращен в руины... Именно трагедия Герни-ки стала темой грандиозного панно для испанского павильона на Всемирной выставке в Париже, которое заказало Пикассо республиканское правительство. Панно размером 3,5 метра в высоту и около 8 метров в длину художник исполнил за невероятно короткий срок - меньше чем за месяц. В начале июня панно, выставленное в Париже, уже получило мировую славу.
Пабло Пикассо был из тех художников, кто предвидел, предощущал страшные апокалипсические последствия политического противостояния. И образы, которые стали главными в "Гернике", предощущались и даже появлялись в его прежних работах - "Минотавромахии", "Мечтах и лжи Франко", многих сюрреалистических композициях.
"Герника" - это поистине Апокалипсис XX века, в страшных сумерках которого высвечивается растерзанная лошадь, поверженный всадник, бык, мать с убитым ребенком и женщина, которая держит в руке светильник. Это не только констатация страшной трагедии, но и предчувствие новых, тех, которые принесет человечеству Вторая мировая война. Панно сильно вытянуто в длину и построено как триптих. В центре его треугольник, вершиной которого является светильник. Композиция очень точна по архитектонике, которая на наших глазах рушится, превращается в ничто, в хаос. Вместо солнца Пикассо изобразил электрическую лампочку. А полнозвучие земных красок заменил строгой ахроматической гаммой черного, серого и белого. Образы "Герники" напоминают вневременные фантомы, галлюцинации. Это поистине сгусток боли и страданий. Пикассо, который досконально знал принципы многих изобразительных систем, использовал в "Гернике" и некоторые элементы линейной перспективы, и принятые в кубизме наложения прозрачных плоскостей, и расчлененность объемов, которую любили сюрреалисты. "Герника" - пророческая картина, но в ней есть не только предчувствие страшных катастроф, но и светоч веры. Глядя на это панно, многие вспоминают слова Поля Элюара: "Отчаяние раздувает огонь надежды".
Пабло Пикассо - не просто один из самых известных художников XX столетия. В его творчестве, как в зеркале, отразились почти все тенденции искусства новейшего времени. У него есть классически ясные работы "голубого" и "розового" периодов, утонченные, легкие рисунки и полотна, трансформированные по законам кубизма, фантастические, иррациональные картины. Он мог воссоздать на полотне удивительно точный, глубоко человечный образ и переосмыслить действительность в острой гротескной форме. Он был философом и борцом, умеющим отстаивать свои идеи и в искусстве, и в жизни.
Пабло Пикассо родился 25 октября 1881 года на юге Испании, в Малаге. Его отец, Хосе Руис, происходил из старинного, но обедневшего рода, был учителем рисования и одновременно исполнял декоративные росписи интерьеров. Некоторые ранние работы Пикассо подписывал Пабло Руис или Руис-Пикассо. Пикассо - это фамилия матери, которая происходила из Италии, возможно, у нее были цыганские или иудейские корни. При крещении будущий художник получил целых девять имен. Первым, кто начал учить Пабло рисовать, был отец. Из первых работ Пикассо сохранились портреты отца, на которых он очень похож на Дон Кихота. С самого детства, как и все испанцы, Пикассо ходил смотреть тавромахию (бой быков). Яркий, выразительный образ корриды в будущем не раз появлялся в его произведениях, как и в произведениях других всемирно известных испанцев - Гойи, Хемингуэя.
Сначала семья переехала из Малаги в Корунью, которая находится на севере Испании, а затем в столицу Каталонии Барселону. Поступая в барселонскую Школу изящных искусств, Пабло Пикассо за день нарисовал обнаженного натурщика (это было задание, на которое отводился месяц). Однако рисование с гипсов скоро ему надоело, и он поступил в Мадридскую академию художеств, которую тоже вскоре оставил.
Первый период творчества Пабло Пикассо обычно называют "голубым". Это связано с тем, что большинство его картин, написанных в 1901-1904 годах, выполнены в почти монохромной гамме зеленоватых, синих и голубых тонов. В 1905-1906 годах колорит полотен Пикассо изменился. В нем начали преобладать теплые розовато-золотистые оттенки.
"Голубые" работы Пикассо более замкнуты, движения героев несколько скованны. В "розовых" пространство раздвигается, они динамичнее, прозрачнее "голубых". Главная тема написанных в это время работ Пикассо - трагизм судьбы обездоленных нищих, бродяг. Но есть и романтические сцены из жизни странствующих артистов. Из "голубых" наиболее известны написанные в 1903 году "Старый нищий с мальчиком", "Завтрак слепого", из "розовых" - созданные в 1905 году "Девочка на шаре", "Акробат и маленький Арлекин", "Комедианты". В "розовых" работах Пикассо чаще изображает не просто одного или двух людей, а целые семьи, людей, связанных не только кровными, но и духовными узами.
Пабло Пикассо к этому времени уже переехал во Францию. В Париже он нашел себе ателье в Бато Лавуар, где обитали многие монмартрские художники. Зимой там было очень холодно, летом - жарко, в мастерскую не были проведены ни электричество, ни газ, но Пикассо умудрялся писать даже по ночам, при свече. На двери он повесил табличку: "Место встречи поэтов". И к нему запросто приходили и Гийом Аполлинер, и Альфред Жарри, и Андре Сальмон. В те годы его спутницей жизни стала Фернанда Оливье.
Увидев цирковые картины Пикассо, Рильке написал:
Но кто они, эти бродяги,
Эти люди, еще более неуловимые, чем мы сами?..
Они опускаются опять
На свой изношенный ковер, истрепанный
Их вечным кувырканием,
На затерявшийся во вселенной ковер...
В 1906 году Пикассо ненадолго увлекся античностью, увидев в ней путь к своеобразному очищению.
Однако уже через год Пабдо Пикассо начал деформировать, разрушать пластику реальных форм натуры. Весной 1907 года появились его "Авиньонские девицы". Сцену с обнаженными женщинами Пикассо задумал еще раньше, во время увлечения античностью. Сам он говорил всем, что изобразил публичный дом на Авиньонской улице в Барселоне. Названий своим картинам он чаще всего не давал, и "Авиньонскими девицами" назвал это полотно поэт Андре Сальмон. Оно было написано в излюбленной для Пикассо розово-голубой гамме. В это время художник увлекался негритянской пластикой и начал конструировать свои фигуры из геометрических форм, причем стремился совместить ощущение плоскости и ощущение объема. Он как бы "выворачивал" на поверхность грани и потом тонировал их. Сам Пикассо утверждал, что, если разрезать его картины, а потом собрать, может получиться скульптура.
Жорж Брак, который поначалу не очень серьезно воспринял эксперименты Пикассо, сам в 1908 году привез из Эстака, куда летом ездил рисовать, много этюдов, увидев которые Матисс тут же сказал, что это "маленькие кубики". Журналисты подхватили это слово. Так и родился кубизм, основы которого исходили из афоризма Сезанна - "трактовать формы природы как формы цилиндра, шара, конуса". Это было своеобразное совмещение математики и магии. Но, открыв новое направление в искусстве, Пикассо оставался самобытным, глубоким художником. Он писал: "Важно не то, что делает художник, а то, что он собой представляет. Сезанн никогда не вызвал бы у меня интереса, если бы он жил и думал, как Жак Эмиль Бланш, хотя бы написанное им яблоко было в десять раз лучше. Беспокойство Сезанна - вот что неодолимо притягивает нас, вот чему он учит нас! И муки Ван Гога - в них истинная драма человека!"
В это время Пикассо создал такие свои работы, как "Дама с веером" (1909), портрет А. Воллара (1910).
Очень точно передал суть самого процесса творчества Пикассо Франк Эльгар: "Затворившись в своем ателье, он наблюдает окружающие его вещи: стол, графин, стакан, пачку табака, гитару. Он рассматривает их под различными углами зрения, ощупывает их рукой художника, проникает в них всеми своими чувствами, изучает их строение, их сущность, вторгается в их бытие. В своем затворничестве он заново переживает генезис мира, всем своим существом переживает тайну творения".
В 1915-1917 годах в творчестве Пабло Пикассо произошел новый перелом. Он начал писать не только "ассамбляжи" - деструктивные, отвлеченные композиции, но и выразительные, жизненные портреты Ренуара, Аполлинера, создал целую серию портретов балерины Ольги Хохловой, которая в 1917 году стала его женой. В этом же году драматург Жан Кокто предложил, чтобы Пабло Пикассо оформил балет "Парад" на музыку Эрика Сати, который готовила к постановке труппа Дягилева. Публика, правда, не восприняла эту экспериментальную работу.
Пикассо параллельно применял разные методы и манеры, и разделять его дальнейшее творчество на периоды сложно. В 1918- 1919 годах появились удивительно точные выразительные графические портреты - "Рыбак", "Отдыхающие крестьяне". В 20-е - начале 30-х годов - почти классически ясные, наполненные гуманизмом работы "Три женщины у источника", "Мать и дитя", иллюстрации к "Метаморфозам" Овидия, "Мастерская скульптора" (из "Сюиты Воллара").
Однако встречались и произведения, в которых действительность трансформировалась или резко эстетизировалась, например "Танец".
Иррационализм и фантастика, с одной стороны, и глубокий гуманизм переплетаются воедино в созданной Пикассо в 30-е годы серии "Минотавромахия". Борьба разумного начала с темным, инстинктивным воплощена в образе человека-быка - Минотавра. Интересно, что в образе матадора, вступающего с ним в сражение, запечатлена женщина. В 30-е годы Пикассо сблизился с сюрреалистами и даже сам писал сюрреалистические стихи:
"Руби, вырывай, скручивай и бей насмерть. Я пробиваюсь, зажигаю, ласкаю и облизываю, целую и смотрю, звоню во все колокола, пока они не истекут кровью, пугаю голубей и заставляю их летать вокруг голубятни, пока они не упадут на землю мертвые от усталости..."
Эротические мотивы и в графике, и в поэзии Пабло Пикассо приобретали довольно мрачный и даже трагичный оттенок.
В 1936 году у Пикассо начался долгий бракоразводный процесс, он переселился в местечко Трембле под Версалем и жил там почти затворником, писал натюрморты, на которых изображал ночь, горящую свечу и бабочек, летящих на огонь... Вырвали его из оцепенения события в его родной Испании, где Франко при поддержке Гитлера и Муссолини поднял мятеж против Народного фронта и началась гражданский война. В творчестве Пикассо, который активно поддерживал Народный фронт, в 1937 году появились произведения метафорического, а иногда и гротескного звучания - "Плачущая женщина", графическая серия "Мечты и ложь генерала Франко", панно "Герника".
Пабло Пикассо стал видным деятелем Народного фронта во Франции, активно участвовал в борьбе с фашизмом, вступил в коммунистическую партию. Когда началась Вторая мировая война, он остался в оккупированной фашистами Франции и принимал участие в движении Сопротивления.
Дух греческой архаики ощущается в выполненной Пикассо в 1944 году бронзовой статуе "Человек с ягненком", которая была установлена на площади города Валлориса. В 1946 году он выполнил 27 живописных панно и картин для музея Пикассо в Антибе, начал работать в керамических мастерских.
В 1947 году Пикассо нарисовал тушью своего знаменитого "Голубя мира", который стал символом движения за мир. В 1952 году он выполнил панно "Мир" и "Война" для "Храма мира" в Валлорисе.
В конце 40-х годов в творчестве Пикассо вновь появились античные реминисценции, интерпретации картин Веласкеса, Гойи. Как график, он начал использовать самые разные техники - рисунок, офорт и др.
Особой метафоричностью отличается его графическая серия "Человеческая комедия" (1953-1954). В последние годы в творчестве Пикассо появилось много женских портретов, зазвучали темы художника и модели, цирка, боя быков, мифологические мотивы.
Удивительно поэтичны вариации Пабло Пикассо на тему "женщина-цветок". Моделью ему служила художница Франсуаз Жилло, которая с 1944 года на протяжении десяти лет была женой Пикассо и потом написала книгу "Жизнь с Пикассо". В одной из работ Франсуаз увиделась Пикассо растением с лунным ликом.
Подругой художника в его последние годы стала Жаклин Рокк. Это была, пожалуй, единственная женщина, в портретах которой он не пробовал развенчать "вечно женственное". Он умер 8 апреля 1973 года.
Пикассо утверждал: "Живопись не проза, она поэзия, она пишется стихами с пластическими рифмами... Пластические рифмы - это формы, созвучные друг другу и согласованные с другими формами или с пространством, их окружающим".
Пикассо был из тех художников, для которых творчество стало их естеством, их натурой. Может быть, именно потому он так много успел сделать.
Бoгдaнoв П.С., Бoгдaнoвa Г.Б.
